Каждый день — 8 Марта: Тернистый путь женщин в искусстве

В 1971 году искусствовед Линда Нохлин опубликовала известную работу «Почему не было великих женщин-художниц?». Автор говорила о том, что живопись для женщин до XIX века считалась скорее хобби, что им запрещалось участвовать в конкурсах, которые могли бы открыть им дорогу в профессиональный мир, что образование было ограниченным и что в принципе какой-то «обобщающей женственности», объединяющей всех художниц, не существует. Своей работой Нохлин побуждала историков по всему миру изменить привычный взгляд на развитие искусства. И спустя 50 лет остались имена, которые еще предстоит вернуть в историю, но сейчас мы уже видим ее яснее.

Образование

Только в эпоху Просвещения женщин стали принимать в некоторые художественные учебные заведения, но всегда с оговорками и условиями — например, им запрещалось рисовать обнаженную натуру. При этом изобразительное искусство было частью традиционного женского образования, так что получить хотя бы базовые навыки девушкам можно было безо всякого осуждения или препятствий (в отличие от, например, точных наук, юриспруденции или того, что мы бы сейчас назвали предпринимательством). Но все же домашнее образование, самообучение или везение (когда, к примеру, твой отец — художник) нельзя назвать полноценным доступом к знаниям.

В 1869 году Мария Раевская-Иванова открыла частную школу рисования и живописи в Харькове — первую в Российской империи. Для неимущих обучение было бесплатным. Школа просуществовала 30 лет и была впоследствии передана городу. Со временем она стала училищем, потом техникумом, институтом, и сейчас это — Харьковская государственная академия дизайна и искусств. Сама Мария обучалась живописи во Франции, Германии и Италии, а за год до открытия школы стала первой женщиной со званием свободного художника Императорской академии художеств.

Высшее художественное учебное заведение, Академию искусств, в Киеве основали только в 1917 году — в непростое военное время, когда студенты и преподаватели не имели постоянного помещения. Однако гендерных предрассудков в отношении абитуриентов или наставников уже не было: среди студентов 1918—1922 годов примерно треть — девушки. В 1921-м профессорский состав расширили, и мастерскую ксилографии возглавила художница София Налепинская-Бойчук. Образование она получила в частной школе в Санкт-Петербурге и за рубежом — в Мюнхене и Париже, работала преимущественно с графикой, в том числе воспроизводила приемы мастеров XVI—XVII веков. Налепинская-Бойчук была автором эскизов банкнот и ряда государственных бумаг, но эти проекты, впрочем, так и не были реализованы.

Карьера

Артемизия Джентилески стала первой женщиной, избранной в члены Академии искусства во Флоренции, а это — первая художественная академия Европы. Биография Джентилески послужила основой для многочисленных романов и пьес: в юности Артемизия была жертвой насилия и сумела защитить свою честь, добившись правосудия в суде, — редкий случай для XVII века. Получив образование в мастерской своего отца, девушка стала придворной художницей влиятельнейшего в Европе дома Медичи, и по сохранившемуся письму от 9 октября 1635 года мы знаем, что она была лично знакома с Галилеем.

Пример успеха Артемизии стал еще одним поводом пересматривать историю искусства и возвращать в нее имена многих и многих художниц, которых ранее не принимали во внимание. Например, Юдит Лейстер — нидерландской современницы Артемизии: с 1633 года она состояла в Гильдии святого Луки (и была единственной женщиной в этой организации художников), а также успешно руководила собственной художественной мастерской.

Пример успеха Артемизии стал еще одним поводом пересматривать историю искусства и возвращать в нее имена многих и многих художниц.

В Британии среди основателей и первых членов Королевской академии художеств, которая по сей день остается влиятельнейшей институцией в мире искусства, есть две художницы XVIII века — Мэри Мозер и Ангелика Кауфман. Во Франции первой женщиной, получившей членство в Национальном обществе изящных искусств, стала Сюзанна Валадон в 1894-м. К слову, большая ретроспективная выставка ее работ запланирована на сентябрь этого года в Barnes Foundation в Филадельфии.

Впрочем, даже в наши, казалось бы, прогрессивные дни остается еще много шансов стать «первой». Так, в 2016-м появилась новость, что деканом Школы искусств Йельского университета впервые за 152 года со дня основания стала женщина — Марта Кузьма. Она же была и первым директором Центра современного искусства Сороса, который открылся в Киеве в 1994 году, а среди ее знаковых проектов в Украине — выставка «Алхимическая капитуляция» на борту военного корабля в Севастополе.

Даже в наши, казалось бы, прогрессивные дни остается еще много шансов стать «первой».

Коммерческий успех

В списках топ-5, 10 или даже 20 самых дорогих работ или художников женщин пока нет, и разрыв здесь все еще сохраняется большой. Однако если смотреть на показатели роста цен, то лидируют именно художницы — их работы дорожают быстрее всего. По подсчетам Sotheby’s, за период с 2012 по 2018 год работы художниц, которые попадали на этот аукцион более одного раза, подорожали на 73%.

Самая дорогая на данный момент работа художницы — Jimson Weed/White Flower No. 1, в 1932 году созданная Джорджией О’Кифф. В 2014-м произведение ушло с молотка за $44,4 миллиона на аукционе Sotheby’s, и пока эта цифра остается максимальной. Были предположения, что скульптура Луизы Буржуа сможет побить рекорд работы О’Кифф, но на торгах, состоявшихся в 2015-м, произведение Spider 1996 года было продано за $28,1 миллиона, а в 2019 году — за $32 миллиона. Для сравнения: самая дорогая работа на сегодняшний день — картина «Спаситель мира» Леонардо да Винчи, которую в ноябре 2017-го купили за $450,3 миллиона.

Если говорить о ныне живущих художниках, то разрыв между женщинами и мужчинами примерно такой же — десятикратный. Рекорд среди женщин — у Дженни Савиль. Ее работа Propped 1992 года была продана за $10,9 миллиона в 2018-м, тогда как в следующем году $91,1 миллиона заплатили за скульптуру Джеффа Кунса Rabbit.

Инновации и вклад

Несмотря на то что большинство художниц пребывали в тени, они сумели привнести новшества в свою сферу. Изобретения и новизна часто имеют одного главного «представителя», но мы знаем немало случаев из искусства и науки, когда открытия совершали независимо друг от друга разные люди. Здесь особенно важно вспомнить украино-американскую художницу Джанет Собель, которая создавала работы в технике дриппинга до того, как этот метод прославил Джексона Поллока. Домохозяйка из пригорода, впервые она начала писать картины в 1937-м, когда ей уже было 44 года, и благодаря помощи сына Собель ее картины изредка выставлялись в галереях Нью-Йорка. Тем не менее работы Джанет попали в галерею Пегги Гуггенхайм Art of This Century, где их и увидели Джексон Поллок и критик Клемент Гринберг, о чем мы знаем из их воспоминаний.

Споры о том, кто же первым начал создавать абстрактные картины, не утихают со времен собственно появления абстрактного искусства. С недавних пор появился еще один претендент — шведская художница Хильма аф Клинт. Увлекающаяся спиритизмом, с 1896 года она экспериментировала с «автоматическим рисунком» для выражения своего мистического опыта и училась на последнем курсе шведской Королевской академии художеств. Двадцать лет спустя, в 1906-м, она создала абстрактную серию небольших работ под названием «Первозданный хаос», которые и расценивают как первые абстрактные картины в истории искусства. Долгие годы о Хильме как о художнице никто не знал, ведь все свои произведения она хранила в домашнем архиве и завещала не выставлять на протяжении 20 лет после своей смерти.

Признание

Этот раздел мог бы быть бесконечно длинным — в последние годы повсеместно открываются выставки художниц и все больше исследований посвящено вкладу женщин в историю искусства. Однако порой факты о «первых» выставках или пополнении коллекций шокируют: уж очень много времени потребовалось, чтобы это случилось.

Факты о «первых» выставках или пополнении коллекций шокируют: уж очень много времени потребовалось, чтобы это случилось.

Так, первая персональная выставка женщины-художницы в Прадо, мадридском музее с двухсотлетней историей, прошла в 2016 году. В экспозицию попали 15 из приблизительно 40 известных работ Клары Петерс — фламандской художницы XVII века. Она писала детализированные натюрморты, которые многое нам рассказывают о быте и предпочтениях процветающих слоев тогдашнего фламандского общества. На роскошных предметах с натюрмортов Петерс можно найти едва различимые отражения самой художницы и ее подписи, по которым и удается атрибутировать ее работы.

В Лувре первая прижизненная выставка произведений женщины состоялась в 1964 году по случаю того, что Соня Делоне подарила музею коллекцию своих работ и работы своего мужа. К тому моменту она была успешной художницей и дизайнером — создала эскизы для балетов Дягилева и для платьев собственного бренда, которые попадали на обложку Vogue, работала с экспериментальным цветным кино и абстрактной живописью. Первые годы жизни она провела в Полтавской губернии и позже переехала жить во Францию, где стремительно развивалась ее карьера. До этого момента лишь раз Лувр проводил прижизненную выставку работ художника — Жоржа Брака в 1963 году.

Если говорить о приобретениях в коллекцию произведений художниц, то первым это сделал в 1946-м Музей современного искусства в Нью-Йорке, который со дня основания в 1929 году возглавлял один из самых прогрессивных директоров того времени — Альфред Барр. Именно он настоял на покупке работы сюрреалистки Мерет Оппенгейм — абсурдистской композиции «Меховой чайный прибор», созданной в 1936 году. Мерет получила за произведение $50.

Что касается украинских музеев, то, например, в Национальном художественном музее персональных выставок художниц было немало. Одна из ранних состоялась в 1961 году и была посвящена творчеству Елены Сахновской, талантливой ученицы той самой Софии Налепинской-Бойчук, которая первой стала преподавать в Киевском художественном институте (ныне НАОМА). В 1971-м прошла персональная выставка Катерины Билокур, а в 1987 году — персональная выставка к 70-летию Татьяны Яблонской. С 1991-го персональные выставки художниц начали проводить еще чаще, каждые год-два, и знакомили публику с творчеством украинских женщин в искусстве.